No vamos a descubrir a estas alturas las excelencias musicales que de continuo el sello Rounder Records lanza al mercado, sello con buen tino a la hora de fichar artistas para compañía que ya en el año 2004 nos deleitó con el primer registro de Alecia Nugent, un disco que llevando por título “Alecia Nugent” fue un grato anticipo de lo que habría de venir.
Con la producción de Carl Jackson (ha producido los tres discos de Alecia) la oriunda de Hickory Grove (Louisiana) da un importante paso de madurez con su siguiente obra “A Little Girl... A Big Four Lane” del 2006 (disco ya comentado en su momento en este Blog).
El tiempo ha pasado y su voz a madurado, habiéndose ganado un gran respeto en el planeta Bluegrass siendo una de las artistas que mas valoraciones positivas recibe de la prensa especializada en cuanto a ser firme candidata a destronar a la todopoderosa Rhonda Vincent del reinado del acústico estilo.
(Una Rhonda Vincent, que recordemos colaboró con Alecia Nugent en su primer disco en el corte “You Don´t Have To Go Home”)
Alecia no es una artista recién llegada al estilo, su padre Jimmy Nugent fue miembro fundador de la Southland Bluegrass Band, formación con la que realizará sus primeras incursiones Alecia cuando solo contaba 15 años de edad, con un repertorio basado en ortodoxo Bluegrass y Southern Gospel.
Sus influencias musicales según ella misma reconoce vienen de artistas como Stanley Brothers, Jimmy Martin, Rhonda Vincent o Flatt & Scruggs, teniendo buen tino a la hora de elegir canciones para su repertorio, además de una incipiente pero talentosa actividad compositora que poco a poco se va abriendo paso en su carrera.
Con este “Hillbilly Goddness” se confirma como una de las mas talentosas intérpretes del hiperactivo Bluegrass actual, disfrutando de las posibilidades que un sello de la talla de Rounder Records pone a su servicio, con músicos de lujo como J.D. Crowe al Banjo, Andy Leftwich al Violín, Rob Ickes al Dobro o Andy Falco a la Guitarra Acústica, contando con las colaboraciones vocales de Sonya Isaacs o Bradley Walker (este último recibió el premio Male Vocalist of The Year 2007 a cargo de la IBMA-International Bluebrass Music Association).
De nuevo es Carl Jackson quien toma de forma magistral las riendas de la producción de un disco compuesto de 11 cortes donde son mayoría los tempos lentos y medios por encima de los rápidos (9 de 11).
De la propia Alecia son dos de las canciones (“Hillbilly Goddess” y Nugent Family Band” esta última compuesta con la colaboración de la leyenda Tom T. Hall y su esposa Dixie), teniendo el álbum momentos álgidos como en la lenta “Cryin All The Way To The Bank” donde da toda una demostración de hasta donde a llegado su voz en cuanto a registro, o la ortodoxa “The Writting´s All Over The Wall” (mi preferida del disco) con la regia colaboración vocal de Bradley Walker.
Como resultado un gran disco cuyo único pero sería lo escaso del cancionero, considerando 11 cortes un tanto corto para los estándares al uso en la industria Bluegrass actual.
Alecia Nugent se halla en plena divulgación de su obra no solo por el clásico territorio del Profundo Sur, sino también por el Noroeste de país y el Canadá, teniendo la sensación al escuchar este disco que le esperan grandes cotas de éxito para una mujer a la que el talento es algo consustancial a su obra.
Como cantante solo registró 24 canciones que no tuvieron gran repercusión, pero como compositora consiguió un lugar propio en el Olimpo Musical con una larga serie de Hits que la llevaron a ser una de las mas grandes compositoras entre 1945 y 1955, recibiendo en justicia el honor de ser introducida en el Nashville Songwriters Hall Of Fame el año 1971.
Virginia Lucille Lee nace el 13 de Enero de 1915 en Decatur (Illinois) teniendo muy pronto ya su estreno en el mundo musical cuando forma junto a sus dos hermanas (Evelyn y Eva) el trio “Three Little Maids, formación con la que debuta en el conocido Show radiofónico “National Barn Dance” emitido por la WLS desde Chicago en el año 1932 cuando solo contaba con 17 años.
En Chicago el trío seguirá actuando el próximo año de 1933, teniendo gran éxito en el festival “Century of Progress World´s Fair” que tiene lugar en la ciudad del viento, presentándose en escena como “The Little Country Girls”.
Estaban en un momento dulce, pero sorprendentemente a finales de 1933 el grupo familiar se deshace quedándose Virginia Lucille sola en el mundo de la música, siendo en ese momento que adoptará su nombre artístico de Jenny Lou (nombre con el que labrará su carrera).
Hasta 1940 trabaja en la WLS como cantante y compositora en diversos Shows, siendo la faceta de compositora la que pronto le dará mejores frutos y la que a la postre la llevará a la fama.
Forma asociación con la leyenda compositora Fred Rose, genio con el que compartirá creatividad en varios Hits exitosos como “Jealous Heart” o “You Two-Timed Ome One Time Too Often” que en la voz de Tex Ritter conquista las listas 1945 (Este Hit la llevará a la historia al ser la primera canción Country compuesta por una mujer que llegó al Nº 1 de las listas).
Ese mismo año de 1945 tiene su primera sesión de grabación con Decca Records, volviendo a repetir experiencia en 1947 con RCA Victor, grabando un total de 24 canciones en las dos sesiones que no obtienen resultado positivo alguno.
Durante la Segunda Guerra Mundial se hizo famosa entre los soldados al especializarse en sus Shows radiofónicos con temas orientados a los combatientes que en aquellos tiempos luchaban en los diferentes frentes, siendo conocida popularmente por la soldadesca como “Radio Chin-Up Girl”, mientras compartía escenarios como miembro temporal de la legendaria banda de Western Swing “The Prairie Ramblers”.
Será a partir del año 1946 cuando firmando con la compañía de songwriters “Hill & Rage” dará comienzo su cabalgada hacia la cima de la composición vaquera pasando los próximos años (principalmente hasta 1955) coleccionando exitos musicales que en la voz de una legión de artistas inundaron las listas Country de la época.
Leyendas musicales como Hank Snow, Peggy Lee, Patti Page, Roy Acuff, Addy Arnold o Ernest Tubb grabaron canciones o colaboraron con Jenny Lou en gran cantidad de canciones que usualmente cabalgaban por el Top Ten de las listas.
“Don´t Rob Another Man´s Castle”, “Darling, What More Can I Do?”, “Blues In My Heart” o “Let Me Go, Lover” son algunos ejemplos del genio creativo de una Jenny Lou Carson que la llevarán en la cúspide de su fama a ser elegida para formar parte de los compositores que participaron en la creación de la banda sonora del afamado Film de 1955 “Blackboard Jungle”, oscarizado largometraje dirigido por Richard Brooks y protagonizado por Glenn Ford y Sidney Poitier en el que Jenny Lou aporta la canción “Let Me Go, Lover” en la voz de Joan Weber (este Film que en España tuvo el extraño título de “Semilla de Maldad” causó tal revuelo en aquel año que una comisión del Senado USA dictaminó que era perjudicial para los jóvenes, dictamen que propició que el embajador Estadounidense en Italia impidiese que el susodicho Film se presentase en el Festival de Venecia).
En la segunda mitad de los 50´s siguió componiendo (llego a crear un total de 177 canciones) pero ya no tuvo ni por asomo el éxito de antaño entrando en los 60´s en un semiretiro del que ya no saldría hasta el advenimiento de su muerte el 16 de Diciembre de 1978 en Torrance (California) habiendo dejado un legado musical que mas de 180 artistas diferentes han interpretado a lo largo de los años, recibiendo un último homenaje en forma de biografía publicada en el año 2005 con el título de "Many Tears Ago-The Life and Times of Jenny Lou Carson".
Quizás no sea justo el referenciar a esta banda en un Blog especializado en Country Music pero me atrevo a realizarles un pequeño homenaje por ser la banda mas importante de la época del esplendor Fok en los 60´s, unos tiempos en los que nuevas generaciones redescubrieron el Bluegrass gracias a artistas Folk que habían crecido musicalmente con sonidos emanados del acústico género, siendo los Kingston Trio la banda que mas influenció a varias generaciones de artistas que los tuvieron en cuenta para sus propias carreras musicales y aunque su estilo este alejado del Bluegrass si que estan entroncados con una visión acústica y de raíz de la música popular.
Dave Guard (Hawaii-1934), Bob Shane (Hawaii-1934) y Nick Reynolds (California-1933) forman la banda en Palo Alto (California) después de conocerse en su época de estudiantes en el soleado estado de la Costa Oeste.
Los tres amigos comienzan a frecuentar los locales donde los estudiantes se reunían los fines de semana a comienzos de los 50´s, planteándose en un principio la música mas como mera diversión y método de atracción al sexo opuesto que como medio de vida, siendo el sonido Hawaiano el que los tres jóvenes ofrecen en sus primeras actuaciones.
En un principio actuaban dos noches por semana aunque tienen un alto en su aventura musical al tener que abandonar Bob Shane la formación durante un tiempo regresando a Hawaii para ayudar a su padre a llevar las riendas de la empresa de mercancías que este tenia en la Isla.
De mientras Dave Guard y Nick Reynolds forman junto al bajista Joe Gannon y la cantante Barbara Bogue el grupo “Dave Guard & The Calypsonians”, formación que llamará la atención de un promotor local que les ofrece sus servicios con la condición de que se deshagan del bajista y la cantante para con Bob Shane (ya regresado de Hawaii) formar un trio de incipiente Folk.
Los chicos aceptan y en ese año de 1956 nacen los Kingston Trio estrenándose en el Club “Purple Onion” de San Francisco previo envío de 500 invitaciones a conocidos del entorno estudiantil de California, siendo de un espectacular éxito sus actuaciones que se prolongan hasta Diciembre de 1957 en el mismo Club.
Su éxito llega a oídos de Jimmy Saphier (manager de Bob Hope) quien lleva al excelso productor Voyle Gilmore (productor entre otros de Frank Sinatra) y un contrato con Capitol Records de 7 años de duración como oferta para los jóvenes principiantes.
Durante un tiempo el sello pulirá su sonido con duras clases de técnica musical, viéndose los positivos resultados en escena durante sus actuaciones en el Purple Onion Club.
A finales de 1958 registran su primer disco que es un directo conteniendo una selección de canciones realizadas en su primera gira realizada a caballo de New York, Chicago y Reno, canciones entre las que destacará la archifamosa “Tom Dooley” que lanzada como single pronto llegará al Nº 1 de las listas Pop y la Nº 9 de las listas de Black Singles, vendiendo 3 millones de copias.
De pronto se convierten en estrellas a nivel nacional y trasladan su residencia a San Francisco desde donde dirigirán su carrera los próximos años.
En 1959 reciben el galardón Best Group of The Year (a cargo del Billboard Top Ten) y son portada de la prestigiosa revista Life en el mes de Agosto de ese mismo año además de recibir dos premiso Grammy, siendo una época para la cual ya eran asiduos de las emisiones radiofónicas de toda la nación gracias a Hits como “M.T.A”, “Raspberries, Strawberries”, “A Worried Man” o “The Tijuana Jail” habiendo evolucionado su sonido con la incorporación de mas instrumentos en forma de banjos y guitarras y abriendo el abanico estilístico hacia la canción popular y destellos R & B.
Sus Fans originales se sentían defraudados y aunque obtuvieron gran éxito en el festival de Newport de 1960 sus nuevos horizontes musicales se alejaban de la raíces musicales que les vieron crecer.
Por contra su popularidad en todo el país era enorme, mas allá del territorio Folk sus seguidores no solo se encontraban en las legiones de estudiantes universitarios Californianos, sino en millones de nuevos seguidores que les seguían religiosamente en sus muchos Shows radiofónicos y televisivos emitidos de costa a costa.
Entran en los 60´s con una serie de formaciones que intentan emular su éxito, bandas como The Limeliters, The Highwaymen, The Journeymen o The Shilos (con un joven Gram Parsons en la formación) que aún consiguiendo su parte del pastel ni por asomo se acercan al nivel de fama y repercusión mediática de los Kingston Trio.
Las diferencias dentro del grupo afloran y cada vez son mas tensas debido a la orientación musical que la banda estaba tomando, Dave Guard les abandona harto de alejarse cada vez mas de la música de raíces y forma su propia banda The Whiskeyhill Singers.
En lugar de Guard entra John Stewart en la formación continuando con importantes éxitos la banda que para esa época es la referencia que proporciona mayores beneficios a Capitol Records junto a luminarias Crooners del sello como Frank Sinatra o Dinah Shore.
Con Hits como la versión que realizan de la composición de Pete Seeger “Where Have All The Flowers Gone?” (1962) o “Road to Freedom” (1963) la banda se politiza un tanto militando en la parte de la sociedad que intenta el gran cambio social de la era Kennedy.
Nunca llegaron al nivel de militancia mas implicada de Bob Dylan, Dave Van Ronk o Phil Ochs por lo que aunque en su repertorio interpretaran algunas canciones de Pete Seeger o del gran Woody Guthrie, fueron aceptados por los padres conservadores de los hijos izquierdistas que consumían discos de Folk-protesta como una banda un tanto Light dentro del movimiento musical de protesta en la época de la guerra de Vietnam, la crisis de los misiles de Cuba y la lucha por los derechos civiles.
En 1964 la invasión musical Británica y la aparición de estrellas como Bob Dylan o Peter Paul And Mary provoca que las ventas de los Kingston Trio se desplomen cuando la formación ya cuenta con la friolera de 20 discos a sus espaldas (3 de ellos en directo) y habiendo conseguido unos niveles de ventas estratosféricos.
Será Decca Records su nueva discográfica a partir de 1965 con el álbum “Somethin´ Else” siendo el principio del fin para una banda que habiendo logrado toda clase de éxitos en la era Kennedy es dada la espalda por el público en la era Lyndon Johnson.
En 1967 de desmonta el grupo dirigiéndose Nick Reynolds a Oregon donde se dedicará al teatro y criar ovejas en su rancho, Dave Guard seguirá activo musicalmente además de escribir varios libros de técnica musical hasta su muerte por cáncer en marzo de 1991, Bob Sheane reformará el trío en 1972 que con diferentes cambios de formación a sobrevivido hasta nuestros días y John Stewart continuará componiendo canciones para Capitol Records de los hasta su muerte por aneurisma el 19 de Enero del 2008.
Talento Yodeler que en lo mas alto de su carrera y con un futuro mas que prometedor por delante lo abandonó todo para junto a su esposa abrazar la religión, lo que privó a la Country Music de un magnífico intérprete y compositor convirtiéndose Wesley en Ministro Cristiano el resto de sus días, siendo para el sus creencias mas importantes que su pasión por la música.
Wesley LeRoy Tuttle nace el 30 de Diciembre de 1917 en Lamar (Colorado) siendo hijo de carniceros que explotaron un comercio cárnico en el Valle de San Fernando (California), localidad esta donde realmente crecerá Wesley al trasladarse la familia al soleado Estado a finales de la década.
Con 5 años Wesley no se despegaba de una destartalado Ukelele, instrumento con el que pasa gran parte de su tiempo hasta que en 1924 ayudando a su padre en la carnicería tiene un grabe accidente con la picadora de carne perdiendo tres dedos de su mano izquierda.
Con 12 años Wesley ya digitaliza con su mano derecha, siendo una época en la que siente pasión por el sonido del legendario Jimmie Rodgers, estando decidido a vivir de la música al igual que su ídolo se dirige a los estudios radiofónicos de la KNX de Los Angeles donde el popular locutor-cantante Stuart Hamblen tenia un afamado Show denominado The Family Album.
Wesley le pide la oportunidad de cantar una canción en estilo Yodeling, oportunidad que aprovecha y obtiene buena respuesta de la audiencia, lo que será el comienzo de su profesionalismo en la Country Music.
Después de forjarse como músico en la escena Californiana, el año 1937 recibe la oferta de los estudios cinematográficos Walt Disney para contribuir con una canción en el mítico largometraje de animación “Blancanieves y los Siete Enanitos”.
A partir de ese momento Wesley se lanza a la carretera viajando en 1939 a Ohio donde conocerá a otro artista que pronto se convertirá en mito de la Country Music y con el que forjará una fuerte amistad el resto de sus días, era Merle Travis.
A finales de la década Wesley está casado y con un hijo, por lo que decide regresar a Califronia buscando estabilidad económica actuando en diversas emisoras de Radio y en el circuito local de Clubs.
Entra en la década de los 40´s como miembro de un trío con Merle Travis y Eddie Dean (hermando de Jimmy Dean) como acompañantes, actuando profusamente y consiguiendo su primer contrato de grabación gracias a su amigo Tex Ritter, quien le llevará de la mano al gigante Capitol Records.
En 1944 graba varias canciones (Give Me Your Hand, I Know It´s Wrong, It may Be Too Late y I Dramed That My Daddy Came Home) acompañado de su amigo y genio Merle Travis.
En un primer momento no tiene respuesta positiva pero en 1945 llega al Nº1 con “With Tears In My Eyes”, éxito al que pronto seguirán “Detour” (Nº3 en 1946), “Tho I Tried” y “I Wish I Had Never Met Sunshine” (ambas Top Ten en el mismo año de 1946).
Para esa época Wesley ya tenía cierta experiencia en el séptimo arte, dado que su primera incursión en el cine fue en el Western “Law of the Northwest” de 1943, fue la primera de una total de 13 apariciones en la gran pantalla hasta la última en el año 1962 en el que participa en el cortometraje “The Nigth Rider” junto a luminarias como Johnny Cash, Merle Travis o Eddie Dean.
En 1947 se casa con su segunda esposa Marilyn Myers, que se había forjado su propia carrera como cantante en la banda de la leyenda del Western Swing “Jimmy Wakely”.
Ambos formarán dueto actuando en diferentes Shows radiofónicos y televisivos (El afamado Town Hall Party será uno de ellos) presentándose ambos como Wesley & Marilyn Tuttle teniendo una febril actividad en cuanto a actuaciones y grabaciones hasta 1957, año en el que Wesley abandona Capitol Records.
En 1957 su exitosa carrera se paraliza repentinamente al tener Wesley la llamada de la religión, se convierte en Ministro Protestante y se dedica en cuerpo y alma a su nueva faceta evangelizadora hasta su regreso en 1959 a los estudios de grabación para realizar un album de Country Gospel para el sello Sacred Records (compañía para que trabajará en sucesivos años como productor).
Junto a su esposa Marilyn grabarían hasta 9 Lp´s de sonido religioso en los 60´s, una época en la que Wesley se dedicaba específicamente a regir junto a su esposa un librería Cristiana que ambos abrieron y a criar a su prole 4 hijos/as fruto de sus dos matrimonios (sufriendo la desgracia del fallecimiento de la pequeña Leslie de cuatro años ahogada en la piscina de su casa).
Este trágico acontecimiento hizo que se refugiase aún mas en sus labores Religiosas y abandona definitivamente toda actividad musical en 1969 (en el entierro de su hija actuaron los legendarios “Sons of The Pioneers”).
En 1997 Wesley Tuttle será introducido en el Western Music Association Hall of Fame, justo reconocimiento para un hombre que podría haber sido una leyenda prefiriendo sus creencias religiosas al estrellato musical.
Wesley Tuttle falleció el 29 de Septiembre del 2003 en Sylmar (California) a la edad de 83 años dejado un legado musical en Capitol Records de alto nivel artístico.
Curiosamente fue el fallecimiento de su gran amigo y mentor Johnny Horton, el suceso que marcaría el despegue de la carrera de un Claude King que tuvo su momento de gloria en el gigante Columbia Records de la primera mitad de los 60´s, un artista que proviniendo de la ortodoxia Honky Tonk acabó su carrera cabalgando territorios cercanos al Nashville Sound pero siempre con el fuerte sello personal de quien creció en la ortodoxia vaquera.
Claude King nace el 5 de Febrero de 1923 en Keithville (Louisiana), siendo hijo de granjeros la miseria marcará los primeros años de su vida, sobreviviendo la familia de la venta de los productos que sembraban con la ayuda de un arado y una mula en sus escasas tierras.
A los 12 años adquiere su primera guitarra a un vecino granjero a cambio de 50 centavos, instrumento al que dedicará el tiempo libre que le deja su pasión por el Baseball, deporte gracias al cual y recibe beca para la Universidad de Shereveport, localidad donde comenzará a frecuentar los diferentes locales musicales de la escena de la ciudad, siendo estos sus primeros pasos como artista.
Como tantos jóvenes de la época, sufre una parón ante la entrada de USA en la Segunda Guerra Mundial, enrolándose en la Armada, cuerpo en el que combatió en territorios tan alejados como las Islas Marshall o Filipinas, siendo herido dos veces en combate.
Al terminar la Guerra decide dedicarse de pleno a la música no sin antes haber recibido una oferta profesional del Club de Baseball “Chicago Cubs”, oferta que rechaza.
Junto a Buddy Attaway y Tillman Franks forma su primera banda denominada “The Rainbow Boys”, formación con la que pronto se da a conocer en todo Louisiana e incluso tiene su primera sesión de grabación en el pequeño sello President donde plasma en disco un par de canciones “Flying Saucers” y “I Want To Be Loved”en 1947.
En 1948 la emisora KWKH comienza a emitir el famoso Show “Louisiana Hayride”, programa del que Claude pronto se convierte en asiduo, compartiendo giras por todo el sudoeste con luminarias de la talla de Hank Williams, Slim Whitman o Johnny Horton.
Durante la década de los 50´s militará en diversos sellos discográficos (Gotham, Pacemaker, Hilltop, Speciality y Dee-Jay) donde plasmará su estilo Honky Tonk con escasos resultados en ventas, siendo una época de aprendizaje donde actuó constantemente y compuso Hits para otros artistas, sobre todo para su gran amigo Johnny Horton, leyenda para el cual compuso canciones como “She Knows Why”, “Take Me like I Am” o “I Don´t Like I Did”,.
La dramática muerte de Horton en 1960 a causa del choque de un conductor ebrio contra su auto hace que el manager de este (Tillman Franks) se encargue de la carrera de Claude King como sustituto de la estrella muerta.
Amigos de tiempo atrás y compañeros en la primera formación que creó Claude (The Rainbow Boys) Tillman le dará la oportunidad que tanto tiempo esperaba pisando los estudios de una discográfica de alto nivel como Columbia Records en 1961.
Su carrera de un giro radical hacia el éxito y con su primer single “Big River, Big Man” que llega al Nº 7 de las listas, Hit al que pronto le sigue otro Top Ten con “Comancheros”.
Es el principio de su escalada a la cima del estrellato, una cima que alcanza en 1962 con su canción mas recordada “Wolverton Mountain” que llega al Nº 1 y le convierte en estrella a nivel nacional.
En Columbia Records militará hasta 1971, siendo los 60´s su época dorada con Hits como “I've Got The World By The Tail” Nº 11 en 1962, “Building A Bridge” Nº 12 en 1963, “Sam Hill” Nº 11 en 1964 o “Tiger Woman” Nº 6 en 1965.
En 1969 grabará un album homenaje a su gran amigo ya fallecido Johnny Horton titulado “I Remember Johnny Horton” disco de gran éxito que será el punto álgido en su carrera a partir del cual comenzará rápidamente a alejarse de los puestos altos de las listas con sus siguientes grabaciones.
En 1971 acaba su asociación con Columbia Records y realiza un par de apariciones en la gran pantalla en los Films “Swamp Girl” compartiendo pantalla junto a la estrella Ferlin Husky ese mismo año y “Year of the Yahoo!” del año 1972.
Apariciones en los mas renombrados Shows Televisivos y radiofónicos de la época como The Dick Clark Show o Lloyd Thaxton Show le conveierten en un personaje familiar gracias a las emisiones de potentes cadenas como al ABC Network que difundieron su imagen a toda la nación.
En la localidad de Shreveport (Louisiana) se llegó a instaurar el día de Claude King en honor del artista el 11 de Febrero del 2007.
Hoy en día ya retirado reside en Shreveport después de varias grabaciones fallidas en sellos como Cinnamon, True y Gusto a finales de los 70´s, no volviendo a pisar un estudio de grabación hasta nuestros días un artista que en su Louisiana natal es todo un ídolo que a sus 86 años es leyenda viva de la Country Music.
En los 80´s disfrutó de importante éxito, siendo su figura conocida tanto por su carrera musical como cinematográfica, con su personal estilo creó gemas musicales atemporales que hoy en día con el paso del tiempo incrementan el valor de su contribución a nuestro estilo.
William Edwin Bruce Jr, nace el 29 de Diciembre de 1939 en Keiser (Arkansas) aunque pronto la familia se traslada a Memphis (Tennessee) siendo esta localidad la que le verá crecer siendo ya desde muy joven que compone con asiduidad aunque en un primer momento no es la Country Music el estilo en el que militará sino el Rock And Roll que como a tantos jóvenes le atrapará a los 17 años siendo en el año 1957 que realizará su primera grabación en el mítico sello Sun Records de Memphis de la mano de Jack Clement (ingeniero de grabación del sello), plasmando en disco “rock Boppin´ Baby” bajo el alias de Edwin Bruce.
Será el principio de una colaboración en la que Bruce se convertirá en uno de los compositores principales del sello, nutriendo de Hits a luminarias de la compañía como Jerry Lee Lewis, Charlie Rich o Johnny Cash, llegando al cenit cuando su canción “Sheila” llegará al millón de ejemplares vendidos en la voz de Tommy Roe, lo que le animará a trasladarse a Nashville en el año 1962 después de una breve estancia en el sello RCA Victor donde grabó un solo single “Flight 303 / Sound Gold” que no obtuvo resultado positivo alguno.
Su carrera ya centrada en la Country Music ve sus frutos como compositor aunque sus propias grabaciones no acaban de despegar siendo sellos como Wand (1963-64), Sonic (1964) o APT Records (1966) los que plasmarán sus discos con pésimos resultados, a diferencia de sus composiciones que en la voz de otros artistas si que logran Hits como en el caso del single “See The Big Man Cry” llevado al éxito por Charlie Louvin en esa época.
A partir de 1966 militará en RCA Records donde lanzará diversos singles que compagina con su creación de bandas sonoras para programas de Televisión así como diversos Jingles comerciales para Radio.
Su carrera comienza a asentarse a partir de su entrada en Monument Records en 1968 con singles como “Everybody Wants To Go To Heaven” o “Puzzles” que le asientan en la industria musical vaquera de la época.
Artistas de la talla de Tanya Tucker (The Man To Go To Heaven) o Crystal Gayle (Restless) tendrán importantes Hits salidos del talento de un Bruce que cada vez tiene mayor reputación en la industria musical pasando a United Artist en 1973 teniendo por esa época su propio Show Televisivo en la WSM-TV de Nashville.
Con “Mammas Don't Let Your Babies Grow Up To Be Cowboys” llegará al Nº 15 de las listas en 1976 (canción que en 1978 será un mayor Hit en la voz del dueto formado por Willie Nelson y Waylon Jennings.
Después de una pequeña estancia en Epic será en MCA Records a partir del año 1979 cuando tendrá su época dorada con Hits como “Last Cowboy Song” (Nº 12 en 1980), “You're The Best Break This Old Heart Ever Had” (Nº 1 en 1981), “Ever Never Lovin' You” (Nº 4 en 1982) o “After All” (Nº 6 en 1983).
Regresa a RCA Victor en 1984 para golpear de nuevo las listas con “You Turn Me On (Like A Radio)” (Nº 3 en 1984)siendo este el último Hit que conseguirá en su carrera no volviendo a militar en sellos importantes el resto de su carrera cada vez mas orientada al cine y teleseries en la segunda mitad de los 80´s.
Su carrera en la gran pantalla nunca llegó al nivel de su lado musical pero si que participó en hasta 17 Films y teleseries desde 1981 hasta nuestros días.
Su figurá llegó a ser muy conocida como actor secundario en Teleseries como “Knight Rider”, “Bret Maverick” o “Walker, Texas Ranger” a la vez que participa con gran frecuencia en las bandas sonoras de series como “Generation Kill” o largometrajes de importancia como el reciente “W” dirigido por Oliver Stone.
Ed Bruce sigue a día de hoy en activo a sus 69 años principalmente de cara al cine siendo su faceta como cantante en gran medida relegada a reediciones de sus viejos albums y recopilaciones de éxitos que hoy en día producen gran disfrute a las nuevas generaciones de entusiastas de nuestro estilo al redescubrir a todo un talentoso intérprete que dio sus primeros pasos musicales en los dorados 50's
La Reina regresa, una vez mas nos deleita con otra rodaja de excelencia Bluegrass, un estilo que ella regenta con talento y gran experiencia musical adquirida después de décadas de cabalgar a lomos de escenarios de todo el país.
Habría que remontarse al primer disco de esta oriunda de Kirksville (Missouri) en el año 1987 cuando respaldada por sus dos hermanos y sus padres graba “The Sallly Mountain Singers” con la banda familiar del mismo nombre.
Desde entonces y salvo incursión no muy satisfactoria en el Country Music en los 90´s el resto de su carrera militará en el mas ortodoxo Bluegrass que le ha dado el cetro que hoy en día posee para disfrute de la enorme legión de seguidores/as que tiene dentro y fuera de su país.
A punto de cumplir 47 años (13-Julio-1962), Rhonda Lea Vincent cuenta con 14 discos como solista desde su primer “New Dreams & Sunshine” de 1989, siendo a partir del “Back Home Again” que estrena su asociación con el prestigioso sello Rounder Records en el año 2000 cuando comienza su escalada directa al estrellato musical hasta nuestros días.
La importancia de Rhonda Vincent en la industria musical queda plasmada claramente en la enorme colección de galardones recibidos a lo largo de su carrera con 7 premios a cargo de la IBMA (International Bluegrass Music Association) y 29 por parte de la SPBGMA (Society for the Preservation of Bluegrass Music of America), siempre respaldada por su banda The Rage, una formación que a lo largo de los años a contado con músicos de enorme talla.
“Destination Life” disco recientemente editado no tiene desperdicio, 12 cortes donde deja muy claro que los años no pasan para ella mas que para mejorar el producto, con cortes espectaculares como su particular versión de “Stop the World (And left Me Off)” (compuesta por Carl Belew en 1965) que ha sido versioneada por un sinfín de artistas como David Ball, Dwight Yoakam o la propia Patsy Cline, “Crazy Love” (obra de Rusty Young), el excelso instrumental “Eight of January” o la espectacular balada a capela “When I Travel My Last Mille (He Will Hold My Hand)” (de largo mi preferida del disco) donde da rienda suelta a sus talentosas cuerdas vocales en clave Bluegrass-Gospel.
Magníficamente respaldada por Aaron McDaris al banjo (anteriormente tocó en la banda de Larry Stephenson), Ben Helson a la guitarra acústica (militó en Larry Stephenson Band y los Kentucky Thunders de Ricky Skaggs), Mike Harris al contrabajo (con varios premios como instrumentista a cargo de la IBMA y SPBGMA) y Hunter Berry al violín (formó parte de la banda de Doyle Lawson) la formación son una perfecta máquina engrasada que desde hace años se han convertido en referencia del estilo.
Con la adecuada promoción del sello Rounder Records, una discográfica de lujo donde militan luminarias como Bela Fleck, Alecia Nugent o Doyle Lawson la diva cuenta con el respaldo de un importante Sponsor en la compañía Martha White, empresa esta de productos harinosos y preparados de repostería, siendo enorme la repercusión mediática de la oriunda de Missouri.
Con este disco Rhonda Vincent pone otra piedra en el monumento que ella misma lleva años erigiendo en honor del Bluegrass, un estilo del que es Reina indiscutible por derecho propio.
Pionero del sonido Western Swing, Carson cabalgó musicalmente junto a luminarias como Vernon Dalhart y Wendell Hall, siendo su contribución musical de gran importancia a pesar del injusto olvido que la industria musical ha tenido para con la obra de un hombre que vivió y participó en los primeros pasos de la edificación de nuestro estilo, siendo honrado en su momento con el sobrenombre de “The Granddaddy of the Hillbillies”.
Carson Jay Robison nace el 4 de Agosto de 1890 en Oswego (Kansas), recibiendo desde niño una fuerte educación musical por parte de su madre (cantante y pianista) y su padre (consumado violinista ganador de varios premisos del acústico instrumento), siendo con solo 14 años ya un guitarrista profesional que a partir de 1905 actuará con profusión iniciando su carrera profesional a posteriori de la Primera Guerra Mundial como miembro de la banda de Wendell Hall frecuentando el circuito de Music Hall del Medio-Oeste de la nación.
En 1922 Carson actúa regularmente en la WDAF de Kansas City siendo dos años después cuando pisa por primera vez un estudio de grabación en New York (Victor Records), trabajando hasta 1928 junto al mítico Vernon Dalhart, leyenda con la que colaboró con su guitarra y armónica en diversas grabaciones del legendario intérprete en canciones como “The Wreck of the Old´97” o “Prisoner´s Song”.
Su talento como compositor lo aprovecharán músicos de la época como The Crowe Brothers o Gene Autry, con canciones como “My Blue Ridge Mountain Home” o “Barnacle Bill the Sailor” que pronto le convierten en un muy respetado songwriter a finales de la década, época en la que su propia carrera musical la plasma discográficamente tanto en Victor como en Okeh Records con temas como “Utah Trail”, “Red River Valley” o “Carry Me Back To The Lone Prairie”.
En 1931 forma su propia banda The Buckaroos (en un primero momento se denominaron The Pioneers), siendo la primera formación de música Country en girar por Inglaterra, pasando el período de la Segunda Guerra Mundial con una febril actividad en ultramar en apoyo de los combatientes USA en los diferentes escenarios bélicos a la vez que tiene un importante Hit con “Turkey In The Straw” en 1942, actuando con gran regularidad en el Grand Ole Opry a finales de los 40´s.
En 1948 tendrá su mayor éxito con “Life Gets Tee-Jus Don´t It” canción esta que sonará en todo el mundo anglosajón y gran parte de Europa..
Los años 50´s verán como su carrera sufre un parón importante ante la llegada de nuevos aires a la Country Music realizando varias grabaciones bajo el alias de Carlos B. McAfee que no tienen resultado positivo alguno.
Carson Robison fallece el 24 de Marzo de 1957 en Pleasant Valley (New York) recibiendo justos reconocimientos a su carrera al ser introducido en el Nashville Songwriters Hall of Fame en 1971 y en el Western Music Association Hall of Fame en el 2001.
Solo soy uno mas de la legión de fanáticos de estilos musicales que después de décadas, por desgracia, siguen denominándose "minoritarios".
Con este Blog y vuestra ayuda intentaremos que por lo menos la Country Music sea un poco menos "minoritaria"
